Ce week-end, ce sont près de 170 sound systems qui s’installeront sur la base aérienne de Laon Couvron. Un pareil rassemblement, la planète Techno n’en avait pas vécu depuis des années. Face aux murs d’enceintes bricolés, des dizaines de milliers de teuffeurs vont danser sous les étoiles, deux jours durant… avec la bénédiction du Ministère de l’Intérieur. 2011 fera date. Pour la première fois autorités et collectifs de sound systems se dirigent vers une co-organisation, une révolution lorsque l’on connait le fossé culturel qui les sépare. On respire, un peu perplexe : les rassemblements Techno ne seraient plus, soudain, synonymes d’excès et de drogues ? Quelle mouche a donc piqué le nouveau locataire de la place Beauvau pour qu’il renonce ainsi à la matraque ?

Sortir de l’impasse

Chaque année, légalement ou non, le Teknival du premier mai rassemble des milliers de participants. Coup d’envoi de la saison des fêtes en plein air, il a toujours constitué un point de repère quasi sacré pour la frange la plus revendicative des cultures électroniques, une forteresse imprenable pour les pouvoirs publics. Au-delà des reportages à sensations et des faits divers sordides, le Teknival fait peur. Spectacle de la catharsis, de la transe, musique répétitive, l’évènement suscite l’inquiétude de l’opinion.

En 2007 le rapport du député Jean-Louis Dumont, bat pourtant en brèche nombre d’idées reçues et invite à la dédramatisation, statistique à l’appui. Seulement, expliquer « qu’on se bat infiniment moins dans une fête techno que dans une fête de village » est peu télégénique. Ni média ni gouvernement n’infléchissent leurs discours. Les uns insistent sur les drogues , les autres invoquent impréparation et risques d’accident. Entre interdictions et coups tordus, les dernières éditions avaient mis les sound systems dos au mur.

« Il fallait que les choses bougent » explique Mickaelle Thibault, porte voix du mouvement. Quarante-sept ans et toujours passionnée, la teuffeuse exhorte l’ensemble des collectifs de musiciens amateurs à monter une organisation irréprochable. Le projet doit permettre d’éviter le pire, la saisie du matériel des artistes. Elle résume : « Notre boulot c’était que les sound systems puissent venir sans avoir la boule au ventre ». Peu à peu les collectifs se fédèrent et montent un dossier exemplaire : accueil, prévention, gestion des déchets et des risques, le tout adossé à une structure associative qui prendra en charge une partie des coûts liés à l’évènement.

Alors que depuis des années les politiques déploraient le caractère incontrôlable du mouvement, une telle initiative force cette fois le Ministère de l’Intérieur à jouer le jeu. Après d’âpres négociations il se résout à réquisitionner un terrain et invite les pouvoirs locaux à coopérer. Demeure néanmoins une équation politique difficile à résoudre : comment donner des gages à la scène Techno sans se départir du traditionnel discours de la fermeté ?

Le NOISE, la chèvre et le chou

En proposant de rebaptiser l’évènement, les médiateurs offrent aux pouvoirs publics la possibilité de ménager la chèvre et le chou. « Ça fait longtemps qu’ils nous reprochaient d’appeler ça Teknival » explique Ivan Boureau, impliqué dans l’organisation depuis plusieurs années. Aux yeux du grand public le terme est trop connoté. Son abandon permet aux responsables politiques de coopérer avec les organisateurs sans perdre la face, rendant le projet possible. Cette année le Teknival est donc rebaptisé le « NOISE ». Un nom-symbole est perdu mais la fête, elle, peut vivre. « Et quelle fête ! » Devant le nombre de sound systems ayant répondu à leur appel les portes paroles du mouvement sont enthousiastes. L’esprit de l’évènement semble bel et bien intact : gratuité et droit d’accès à n’importe quel collectif musical souhaitant participer. Ivan Bourreau insiste : « C’est le festival de la culture libre ! C’est libre ! ».

Quel impact sur le mouvement Free ?

Une fois passé le NOISE, les organisateurs espèrent un « effet boule de neige » sur une myriade de rassemblements de petite ampleur. Difficile cependant de partager leur optimisme alors que s’annoncent d’importantes échéances électorales, avec leurs cortèges de postures sécuritaires. Si par un tour de passe-passe l’État est parvenu à lâcher du lest sur un évènement phare, le parti majoritaire se refuse à repenser en profondeur son approche des scènes alternatives. Le cadre juridique dans lequel s’inscrit le mouvement Techno n’est d’ailleurs pas appelé à changer. Depuis 2001, la loi de Sécurité Quotidienne donne aux préfets le pouvoir d’interdire les « rassemblements exclusivement festifs à caractère musical ». Un pouvoir dont les représentants de l’État usent et abusent, maintenant en marge de la légalité une composante importante des cultures jeunes.

Au fil de son rapport Jean-Louis Dumont questionne :

« Comment pouvons-nous demander à ces jeunes gens de prendre leurs responsabilités si notre seule réponse à leur aspiration est ‘’Non’’. Les législations, les réglementations doivent être pensées pour que globalement les événements puissent avoir lieu, le possible devant être le cas majoritaire, l’impossible le minoritaire. Encadrer, ce n’est pas interdire. »

C’était il y à trois ans. Depuis, aucune des propositions de l’élu n’a été adoptée. Le Teknival, lui, change de nom mais pas d’autorité de tutelle : les rassemblements technos sont toujours les seuls évènements musicaux qui ne dépendent pas du Ministère de la Culture, mais de l’Intérieur.

—

Article initialement publié sur OWNI

> Illustrations CC Flickr par keyveeinc et Xavier Spertini

Vous pouvez retrouver nos articles sur le dossier festivals : Jeunes artistes : laissez-les chanter et De Woodstock au Printemps de Bourges Crédit Mutuel

Yesterday was Thursday, today is Friday, tomorrow is Saturday and afterwards comes Sunday

Hier nous étions jeudi, aujourd’hui nous sommes vendredi, demain nous serons samedi et après ça ce sera dimanche. Avouez que la pop est parfois pratique pour se rappeler les bassesses du quotidien. Cette trouvaille littéraire nous vient de la très jeune Rebecca Black, adolescente californienne de 13 ans comme il en existe tant, une jeune fille pas vraiment vilaine mais pas tellement jolie non plus. Sauf que celle qui aurait dû demeurer très loin dans l’ombre des Miley Cyrus, Selena Gomez, Demi Lovato et autres poupées manufacturées par Disney, fait actuellement l’objet d’un buzz aussi démesuré que révélateur d’une fascination malsaine pour les baby stars.

Depuis sa mise en ligne le 10 février dernier, la vidéo (very) low-cost du single Friday, toute en fonds verts et effets Windows Movie Maker, a été vue près de 47 millions de fois. Pour comparaison, Born This Way, le dernier Lady Gaga sorti le lendemain, affiche un peu moins de 25 millions de vues (au 25/3). “Rebecca Black” est un trending topic mondial sur Twitter depuis mi-mars et ne montre aucun signe de fatigue. Pire que cela ? Des gens achètent la chanson ! Friday est en effet 27ème du top iTunes US (au 25 mars, elle était 42ème le 23/3) et devrait logiquement continuer de grimper…

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Si Rebecca Black amuse les réseaux sociaux et donne espoir à des milliers de gamines des banlieues plus ou moins aisées de Californie et d’ailleurs, elle n’est que la partie émergée d’un iceberg de glauque pailleté façonné par Ark Music Factory, une société de production artistique basée à Los Angeles et fondée par Patrice Wilson et Clarence Jey.

Patrice Wilson et Clarence Jey entourant l'une de leurs petites protégées

Quand on regarde d’un peu plus près le fonctionnement de la structure, on s’étonne de constater que le duo de producteurs concentre ses efforts musicaux sur une typologie très spécifique de “clients” : les garçons et filles de 13 à 17 ans, qu’ils attirent grâce à des petites annonces publiées sur des sites dédiés (voir ci-dessous).

Pour une somme que l’on imagine conséquente et acquittée par les parents des apprenties starlettes (on parle de 2000$, chiffre que les intéressés n’ont pas encore commenté), Ark Music Factory offre l’enregistrement d’un titre pop des plus génériques, surchargé d’autotune (ce logiciel qui corrige la voix) pour contourner les “légers” problèmes de fausseté de la plupart des clientes. Une vidéo est également proposée dans le package, outil ultime de viralité, ainsi que l’a prouvé la jurisprudence Rebecca Black et ses 47 millions de vues. Il est bon de noter qu’Ark Music Factory dispose d’un site web qui nous ramène directement en 2001, un véritable délice pour les yeux.

Les constantes observées au sein du catalogue d’Ark Music Factory soulèvent quelques questions quant aux intentions de la structure californienne. Avec un catalogue composé majoritairement de très jeunes filles qu’on jurerait sorties d’un concours de mini-miss et dont on imagine sans peine la mère style cougar défraîchie tapie dans un coin du studio d’enregistrement, Patrice Wilson et Clarence Jey semblent vouloir compléter les efforts de l’oncle Walt Disney dans l’hypersexualisation des (très) jeunes adolescentes (voir le cas Miley Cyrus). Sauf que contrairement aux bluettes made in Disney Channel, les deux angelenos ne font pas dans la demi-mesure et la fausse impudeur. On peut douter que des jeunes filles de 15 ans à peine soient aussi au fait des méandres des relations amoureuses que leurs chansons ne le laissent croire (voir Kaya : Can’t Get You Out Of My Mind). Face aux nombreuses critiques essuyées ces derniers jours, Ark Music Factory a décidé de contre-attaquer et promet “toute la vérité” pour le 25 mars, dans une vidéo à paraître sur son site.

La pop-érotisation n’a rien de neuf, notamment aux Etats-Unis, et l’innocent le dispute souvent au glauque. On pense à JonBenet Ramsay, cette mini miss au destin tragique (elle avait été retrouvée violée et assassinée dans le sous-sol de la maison familiale, et le crime n’a jamais été élucidé), qui en son temps avait cristallisé les critiques envers une Amérique victime de son culte de la célébrité à tout prix. Autre style, destin moins tragique, mais pas moins révélateur : Britney Spears, icône pop depuis la fin des années 90, qui chantait à 16 ans “hit me baby one more time” (“chéri démonte moi encore une fois”) en jupette d’écolière. Cela bien sûr, c’était avant sa révolution sexuelle, effectuée vers 20 ans au son de “I’m a slave for you” (“Je suis ton esclave”). Sur le même modèle,son héritière “spirituelle” Miley Cyrus suit à la lettre les préceptes de son aînée, passant sans transition de Hannah Montana au mini-short en cuir.

Les enfants-stars ne datent pas des années 2000. On se rappelle les premiers pas de Liz Taylor ou de Michael Jackson et ses frères, mais là les choses demeuraient très chastes et le public les a vu grandir au rythme des adolescents lambda, plus ou moins. Le problème posé par l’hyper-sexualisation des nouvelles idoles réside dans la rapidité avec laquelle elles font leur révolution sexuelle, qui constitue leur moyen d’émancipation d’une image idéalisée de petite fille modèle. Dans Hannah Montana, Miley Cyrus joue une adolescente bien sous tous rapports, collégienne le jour et star de la chanson la nuit. Mièvre au possible, la série ne ferait pas de mal à une mouche. Sauf que son héroïne grandit, et doit s’assurer un avenir après elle. Il passe, comme pour toutes les starlettes Disney, par une carrière musicale. Celle-ci permet facilement de rendre son image plus sexy. Sauf que le public (de petites filles) qui suit ces stars évolue, lui selon un schéma bien plus lent. La distance qui se crée alors entre le role-model et ses fans se fait rapidement fossé. Le même schéma s’applique à Britney, Demi, Selena et sans doute beaucoup d’autres à venir.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

(Ci dessus : vidéo de la soirée de présentation des artistes Ark Music Factory)

Le dernier exemple en date ? L’arrivée des enfants de Will Smith sur le devant de la scène. Jaden, le fils de 11 ans tout d’abord, qui embrasse une carrière d’acteur en incarnant le célèbre Karate Kid dans le remake du film éponyme. Outre une large campagne de promotion dans les différents médias et un duo avec Justin Bieber sur la BO du film, le jeune adolescent s’est fendu d’une participation plutôt étonnante à une émission chinoise, au cours de laquelle les présentateurs lui ont demandé d’exhiber ses abdominaux, allant même jusqu’à les compter. Rappelons que Jaden est né en 1998.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

La cadette Willow est elle aussi sur le devant de la scène, mais musicale cette fois. Son premier single “Whip My Hair”, est l’un des succès de ces derniers mois (#2 des charts anglais et 270 000 ventes, 11ème du Billboard américain). Moins sexuée que son aînée et ses collègues d’Ark Music Factory, il n’en demeure pas moins que Willow n’a plus grand chose d’une enfant lorsqu’elle est sur scène. Sauf peut-être le physique.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Ce qui frappe le plus dans le phénomène entourant Rebecca Black, c’est la rapidité avec laquelle il s’est développé, bien aidé il faut dire par un mauvais buzz initié sur Twitter et soutenu par la vidéo postée sur YouTube. Le basculement du cercle d’initiés des réseaux sociaux au grand public a surpris les premiers autant qu’il excite le second. Alors que nombre de ces modes éphémères du web se cantonnent aux réseaux sociaux sans guère toucher davantage qu’un petit nombre d’habitués, celui-ci risque de faire de l’adolescente une star bien malgré elle.

Allez, pour finir, une parodie plutôt savoureuse, forcément intitulée “Saturday” !

Cliquer ici pour voir la vidéo.

–

Crédits photos : captures d’écran

Article initialement publié sur OWNI.fr
Retrouvez tous les articles du dossier “érotisation des enfants”:
Des soutiens-gorge “ampliformes” en taille… 8 ans
Little Miss Austin
Justin Bieber, star d’un porno ?

Suite à l’interview de Gilles Babinet (entrepreneur français connu pour le MXP4 entre autre) au moment du Midem 2011 par Owni Music, je me suis penchée sur les « digital natives »:

Cliquer ici pour voir la vidéo.

LES DIGITAL NATIVES : C’EST QUI?

Selon Wikipedia, un digital native ou en français le natif numérique: “est une personne ayant grandi dans un environnement numérique comme celui des ordinateurs, internet, des téléphones mobiles et des baladeurs MP3″.

Ils ont donc environ 14/15 ans maximum, et ce sont eux qui consommeront la musique demain. Pour illustrer l’ampleur du phénomène je vous invite à voir cette vidéo de la petite Clémentine, 20 mois, avec un IPad et un IPhone…

Nota-bene: une variante au natif numérique existe, à savoir l’immigrant numérique (digital immigrant) qui est « un individu ayant grandi hors d’un environnement numérique et l’ayant adopté plus tard. Un natif numérique parlera de son nouvel «appareil photo» là où un migrant numérique sera fier de son nouvel «appareil photo numérique». » (source Wikipedia)

ET CONCRETEMENT COMMENT CES DIGITAL NATIVES FONCTIONNENT-ILS ?

En 2009, les équipes digitales de l’agence webmarketing JWT Paris, ont lancé une vaste étude ayant un objectif simple : comprendre si le digital avait eu un impact sur le comportement de ces digital natives. Les résultats sont sans appel : le digital est LA cause de changements de comportements profonds au sein de cette population.

L’agence a appelé cette étude “Empreintes Digitales”. Huit empreintes qu’il faut comprendre pour savoir décortiquer les réactions de ces publics. JWT Paris n’a pas fait cette étude pour le plaisir, mais pour remettre en adéquation ses actions marketing qui trop souvent n’ont pas réussi à suivre le même rythme et qui faute d’outils n’avaient pas les moyens de le faire.

Résumé de l’étude:

EMPREINTE 1: Le « Power of Now »

Cette génération veut tout, tout de suite et partout. Les « digital natives » ne supportent pas d’attendre. La BBC a estimé à 9 secondes, la tolérance à l’attente sur le web (pensez-y… au-delà, on trouve que notre connexion « rame »…).

72% des 12-25 ans déclarent ne pas pouvoir se passer d’internet pendant une journée. Sur internet, on peut tout avoir tout de suite, du coup, dans le réel il faut que ça soit pareil.

Conclusion : la communication change. SIMPLE, RAPIDE, EFFICACE. Le temps se raccourcit, les messages doivent se raccourcir car l’immédiateté prime avant tout…

EMPREINTE 2: Pas de loi pour m’interdire

L’avènement de Chatroulette en 2010, la censure de 32000 photos/jour sur skyblog, les apéros géants… il n’y a plus de limite aux interdits qui finalement ne sont là que pour être remis en question.

Il n’y a plus de limite et les digital natives s’en rendent compte et 82% d’entre eux demandent une autorité plus forte de la part de leurs enseignants.

Le « digital native » fait des choix tranchés et ne veut plus d’une relation purement marchande. Les marques l’ont bien compris et jouent un rôle essentiel dans le message qu’elles adressent à cette génération. Avant de vendre, il faut apprendre à offrir et du coup, elles offrent une expérience qui alimentera l’imaginaire du digital native, tout en leur vendant des chaussures ou de la musique.

EMPREINTE 3: Etre « Moi m’aime » avec mes semblables

L’internet, c’est l’ouverture sur le monde, rencontrer des gens, découvrir plein de choses…. ouais, ouais, ouais… c’est surtout la possibilité de rencontrer des personnes qui ont les mêmes affinités que SOI, la possibilité d’exposer SA vie privée, de mettre en scène SA vie, d’avoir un blog sur SOI (sic!), de chatter en direct avec SES amis… internet c’est finalement un monde assez narcissique ou tout tourne autour d’individu, d’où l’explosion des réseaux sociaux et d’un métier à la mode en communication : le community manager.

Ce dernier doit s’immiscer dans les réseaux sociaux, prêchant la bonne parole d’une marque, et récoltant les informations les plus précises possibles sur les potentiels acheteurs.

EMPREINTE 4 : Je sais tout

65% des digital natives ont pour source d’information internet. En un clic, une pression du doigt, on a sa réponse. Cette information n’est pas sans risques, puisqu’elle n’est pas la plus fiable. Mais les informations venant d’une « communauté amie » sont souvent prises pour argent content… La vérité vient du web… Du coup, les professeurs, les hommes politiques, doivent se mettre à la page et doivent savoir, être exacts dans leurs réponses, car tout est vérifié et tout est contestable.

Un monde où l’information est donc détenue également par toutes et tous, et où les références (l’autorité) ont disparu. Un monde où beaucoup de marques tentent de naviguer en tutoyant, en parlant à la deuxième personne du singulier: « you ». Un comportement de surface qui est voué à rester au mieux totalement ignoré, au pire source d’inspiration pour devenir la cible d’attaques.

A ce narcissisme du public, il faut répondre différemment. Par l’interaction. Un dialogue qu’il est possible de nourrir en offrant des clefs pour comprendre le monde qui entoure les digital natives, en les encourageant à le découvrir.

EMPREINTE 5 : Concentré d’émotions

Il existe plus de 240 millions de sites web, quasi autant de blog, 150 millions de vidéos youtube et le temps moyen passé sur un site est de 56 secondes… Pour attirer l’attention, il faut que ça soit fort, tout de suite.

D’un point de vu marketing, il faut étonner, époustoufler ou faire rire car en provoquant ces émotions, les marques redeviennent source de plaisir et créent l’acte d’achat.

EMPREINTE 6 : L’éloge du raccourci

Une moyenne de 60 à 80 SMS/jour, des abréviations, un langage phonétique, twitter et ses 140 signes, les statuts facebook… L’attention est limitée, donc le langage se raccourcit. Cette empreinte est primordiale car non seulement elle montre l’importance des accroches courtes et percutantes, mais redéfinit également la façon qu’ont les digital natives de consommer leur relation aux autres: moins de rapports directs ou alors très rapides.

CONCLUSION : les messages doivent être ultra simplifiés. Dépasser les mots pour se faire plus sensoriels. Anticiper les sensations qu’elles soient olfactives, tactiles, auditives ou gustatives permet la projection créant un désir d’achat.

EMPREINTE 7 : Du gratuit, du gratuit

Le digital, c’est l’avènement du gratuit. Tout est à porté de main gratuitement que ça soit légalement ou illègalement. C’est magique et c’est devenu une mode. Pour créer des formules marketing à succès plusieurs possibilités:

- L’expérience sans engagement, la possibilité de sortir d’un contrat à tout moment, le satisfait ou remboursé…

- La récompense immédiate pour une attention prêtée, la fidélité…

- L’impossible devenu réalité. Comme la marque H&M rendant accessible financièrement des grands couturiers…

EMPREINTE 8 : Le consopouvoir

Le consommateur a pouvoir de vie ou de mort sur un produit, car il a non seulement la possibilité de se renseigner via les réseaux sociaux et internet, mais également de dénoncer un produit mal conçu, ou un service inadapté ou non performant. Si les consommateurs ont ce pouvoir, il sont aussi le pouvoir inverse, celui de promouvoir un produit! Etre infaillible, sûr de son produit et s’appuyer sur un réseau, qui va promouvoir notre produit. Le consommateur fait plus confiance à ses amis qu’à une publicité vue sur le net.

Voilà pour l’étude sur les digital natives. Elle a sûrement une durée dans le temps, car les choses évoluent très vite. Ceci dit, il s’agit d’une bonne base marketing qui peut être appliquée à la musique, pour le rapport artiste/public, car n’oublions pas que les consommateurs de demain sont les digital natives d’aujourd’hui…

Nous vous recommandons de regarder “Google D.C. Talks: Born Digital”

–

Article initialement publié sur: Hors-Sillon

Crédits photos CC flickr : pichenettes, Gidon Burton, verbeeldingskr8, sarahamina

Technopol, association dédiée au développement des cultures électroniques festives, occupe dans les débats sur la possibilité d’une nuit festive en France une place de choix. C’est un think tank voué à l’action grâce à ses adhérents et son conseil d’administration, aussi bien qu’un organisateur d’évènements. En effet, Technopol a créé et produit rien moins que le plus gros évènement culturel de rue dans Paris intra-muros (après la Fête de la Musique) : la Techno Parade. Réflexion, action, expérience et vision : Technopol se trouve naturellement au cœur de nombre de projets visant à donner aux musiques électroniques festives, enfin, le niveau qu’elles méritent d’avoir en France.

Tommy Vaudecrane, Président de Technopol, rappelle qu’en France, musiques électroniques festives riment d’abord avec engagement. Un engagement dont Henri Maurel, grande figure de la culture electro récemment disparue et jusque là co-Président de Technopol, avait fait la preuve à de nombreuses reprises. Avant de commencer l’interview, Tommy lui rend hommage.

“Cette interview est un échange entre Florian/DJ Speedloader et moi depuis début Décembre 2010. Entre le début et la finalisation de celui-ci, une tragédie à frappé de plein fouet l’association Technopol : la disparition de mon Co-Président, Henri Maurel, également l’un des fondateurs de Technopol en 1996 et l’un des créateurs de la Techno Parade en 1998. C’est avec une très grande peine que nous faisons face à ce moment difficile mais c’est aussi avec une conviction encore plus forte et une détermination encore plus grande que l’association mènera à bien l’ensemble des projets pour lesquels nous avons été élus Henri et moi et que nous portions depuis Juin 2010.

Paix à ton âme Henri et sois-en sûr, nous continuerons le combat !” (Tommy Vaudecrane, mars 2011)

En fait, en 2011 Technopol soufflera ses 15 bougies mais nous pleurons aussi la perte d’un être qui nous était cher et qui a été un moteur pour l’association et les cultures électroniques depuis plus de 20 ans : Henri Maurel. L’association Technopol a été créée en 1996 par les acteurs historiques des musiques électroniques, dont Henri, qui subissaient une répression politique forte et organisée (circulaire Pasqua de 1995) aussi bien sur les soirées payantes que les free party. Un lobby gouvernemental a été mis en place afin de faire reconnaître les musiques électroniques et c’est en 1998, suite à la publication d’une circulaire interministérielle (Culture, Intérieur & Défense) reconnaissant l’aspect culturel de la musique électronique, que la Techno Parade a été créée afin d’offrir une manifestation festive qui est devenue en 12 ans le plus grand dancefloor à ciel ouvert de France, le temps d’une journée !

Aujourd’hui la nouvelle équipe élue en Juin 2010 travaille sur de nombreux nouveaux chantiers pour continuer d’accompagner les acteurs de la scène dans leur professionnalisation et de défendre les acteurs qui ont encore, aujourd’hui, besoin de nous.

Ces derniers mois on constate un fort retour en arrière et de nombreuses interdiction abusives de soirées électroniques, mêmes légales, dans les différentes régions où le triptyque : Mairie, Gendarmerie, Préfecture fonctionne à merveille !

Oui tout à fait, un étroit contrôle, des connivences politiques et une acceptation institutionnelle… Parfois on a l’impression que tout ceci est de la poudre aux yeux. On rencontre les autorités, on a l’impression d’avancer et on se rend compte, qu’autour de nous en fait rien n’avance, voire on ressent une certaine régression… D’un côté une volonté d’expression culturelle soutenue par le Ministère, les DRAC et autre et puis une fermeture quasi totale de la part des Mairies, Gendarmeries et autres Préfectures. Un jeu vicieux est joué à coups de pressions téléphoniques, d’invitation à reconsidérer tel ou tel événement sous prétexte d’ordre public, de drogues et autres raisons fallacieuses jouant sur les peurs basiques auprès de gens ignorants.

D’ailleurs, ces derniers mois on constate un fort retour en arrière et de nombreuses interdiction abusives de soirées électroniques, mêmes légales, dans les différentes régions où le triptyque : Mairie, Gendarmerie, Préfecture fonctionne à merveille ! Un coup la gendarmerie met la pression (officieuse, une sorte d’invitation sans traces, un coup de téléphone suffit) sur le lieu, un autre coup c’est la Mairie (le maire est maître à bord dans sa commune sauf à Paris) et des fois la Préfecture mais c’est rare car les gendarmes et les mairies font très bien leur travail de sape.

Défense, reconnaissance et promotion

La mission première de Technopol est la défense, la reconnaissance et la promotion des cultures et musiques électroniques. De fait, notre intervention se fait sur les points relatifs à cette culture et sa place dans la nuit française. La musique électronique ayant une position de plus en plus importante dans le paysage de la nuit française, nous prenons une place de plus en plus importante dans les discussions. Une des illustrations est notre forte implication dans les Etats Généraux de la Nuit et les Nuits Capitales.

Du côté Syndicats et Sociétés Civiles nous commençons à explorer les possibilités de rapprochement avec la SPEDIDAM via le SAMUP ou la CGT Spectacles, notamment sur les questions de statuts du DJ, mais rien n’est acté ou décidé en ce sens. Technopol souhaite rester une structure associative militante indépendante et non politisée.

L’un de nos objectifs est de mettre en place des accords avec certains syndicats ou sociétés civiles afin de faire bénéficier nos membres d’avantages liés à ces organisations.

Nous allons également adhérer à la CSCAD et permettre à nos membres organisateurs d’y adhérer, ce qui leur permettra notamment de bénéficier de tarifs SACEM préférentiels.

Les discussions sont encore complexes, très émotionnelles entre ceux qui veulent dormir tranquille et ceux qui veulent faire la fête.

Un peu des deux je pense. Suite à la pétition que nous avons lancée « Paris : Quand la Nuit Meurt en Silence » nous avons eu des échos en région notamment à Lyon et Marseille. Partout en France on entend parler de fermetures de bars, de nuisances sonores, de fermetures administratives. Nous avons donc un souci commun aux grandes agglomérations avec l’éternel conflit entre riverains/police et lieux/organisateurs. De plus en plus de villes souhaitent développer ou upgrader leur offre festive nocturne mais les discussions sont encore complexes, très émotionnelles entre ceux qui veulent dormir tranquille et ceux qui veulent faire la fête.

Tommy Vaudecrane, Président de Technopol et passionné des musiques électroniques festives depuis 20 ans.

On constate des difficultés à Lyon par exemple, car les associations n’ont quasiment plus de subventions de la ville et la plupart des événements électroniques sont interdits ou fortement freinés.

On peut également dégager des tendances régionales en effet, avec le développement de la free party légale et parfaitement gérée notamment en Bretagne et dans le Sud de la France, régions qui disposent de magnifiques lieux extérieurs pouvant accueillir ce type de grand rassemblement. Le clubbing a toujours été très développé dans le Nord et l’Est du fait de la proximité de pays comme l’Allemagne, la Belgique, la Suisse et la Hollande avec leurs mégas clubs et rave parties.

Oui un gouffre, en tout cas sur les sommes touchées lors de représentations publiques par exemple. Un DJ comme ceux que tu viens de citer touche entre 35000 et 75000 euros (voire plus) pour une heure ou deux heures de « non-mix, lève les bras et te décoiffe pas trop ». On est ni dans le djing, ni dans la performance artistique et je trouve personnellement ces sommes démesurées et pas du tout en phase avec le spectacle fourni par ces gens. Sachant que Guetta n’est pas considéré comme DJ mais comme auteur compositeur.

DJ hardcore, drum and bass et autres sons durs

Multi-tâches (rires). Les musiques électroniques rythment ma vie et me font vibrer depuis bientôt 20 ans. Ma passion, ma dévotion se traduisent par de nombreuses implications personnelles qu’elles soient artistiques, événementielles ou militantes.

Je suis déjà passé chez Technopol entre 2002 et 2005 en tant qu’administrateur, j’y ai notamment créé l’observatoire de la fête pour recenser les incidents et venir en aide, dans la mesure du possible, aux organisateurs. J’ai également tenté un rapprochement avec la free party, mais ça s’est un peu moins bien passé, disons que notre main tendue n’a pas été si bien accueillie que ça… Et suite à cette main tendue, le premier collectif des sons s’est créé…

Aujourd’hui la scène doit se professionnaliser si elle veut exister comme dans nos pays voisins. J’ai donc de nouveau décidé de mettre mes compétences, mon expérience, ma sensibilité au service des musiques électroniques. C’est l’expression militante de ma passion.

Par ailleurs j’essaie de faire vibrer les gens en tant que DJ hardcore, drum and bass et autres sons durs, depuis près de 17 ans sous le pseudo DJ AK47, et je compose de la musique, notamment avec mon groupe BudBurNerZ (17 maxis et 6 albums). J’organise des soirées avec le collectif Party Uniq depuis 2005 et plus récemment avec la société Bass Nation qui a produit les deux événements Megarave France à l’Elyséee Montmartre.

Tommy Vaudecrane, sous le nom de DJ AK47, est également une des figures de la scène hardcore. Ses prestations foudroient les dancefloors de France et d'Europe depuis le milieu des Rugissantes Années Rave : les années 90.

Il faudrait déjà une reconnaissance institutionnelle de certains statuts comme le DJ ou le VJ afin que ceux-ci puissent exercer leur métier en toute tranquillité sans être dans une situation de précarité entre cachets au noir, remboursement de frais et autres arrangements. Qu’ils puissent cotiser pour leur retraite, avoir des congés (sans obligatoirement avoir le statut d’intermittent).

Une ineptie parmi tant d’autres : prenons un DJ amateur passionné, qui exerce un métier la semaine et qui joue le week-end pour son plaisir mais qui est assez connu pour prétendre à une rémunération. Il assure donc un revenu complémentaire grâce au DJing (en plus d’assouvir une passion). Eh bien il a été décidé par le Ministère de la Culture et sous la pression des syndicats, que ce DJ ne pourrait utiliser le statut d’auto-entrepreneur pour facturer et être payé… Alors que ce statut a spécialement été créé pour permettre à des salariés d’avoir un revenu complémentaire… Belle logique n’est-ce pas !

Technopol dispose d’une forte crédibilité à tous les niveaux.

Souvent oui car pour la plupart des organisateurs, des artistes et autres acteurs de la scène c’est une passion dans laquelle ils investissent tout leur temps, leurs économies avec souvent de lourdes pertes à la clef. Mais l’associatif est aussi une arme de lobby puissante lorsqu’elle est reconnue et Technopol dispose d’une forte crédibilité à tous les niveaux ce qui permet d’engager des discussions sérieuses et de voir certaines avancées possible.

Et puis après près de 20 ans de plaisir intense apporté par les musiques électroniques, je peux bien donner un peu de mon temps pour que toutes les musiques et cultures soient entendues et représentées !

La Techno Parade est depuis 1998 la vitrine festive de l'action de Technopol.

Nous avons de nombreux chantiers qui concernent les différentes composantes de « l’écosystème électronique ». Nous travaillons par exemple sur le statut du DJ et sa possible affiliation à un syndicat ou une société civile via Technopol. Ces projets font partie de nos « Polarités » qui sont des groupes de réflexion, d’action et de lobby autour des problématiques liées aux différents acteurs de la scène : Organisateurs, Artistes (DJ&VJ), Disquaires, Web Radios, Evénements Eco-Responsables, etc.

Nous avons bon espoir d’obtenir des avancées concrètes en 2011 sur plusieurs de ces points, notamment via notre affiliation avec la CSCAD qui va permettre aux promoteurs membres de Technopol d’y adhérer et de bénéficier de taux SACEM négociés pour les événements en salle et en clubs.

D’un point de vue événements nous allons lancer de nouveaux projets. Nous préparons une semaine de la Techno Parade avec en clôture une Nuit de la Techno digne de ce nom (comme on peut le voir en Suisse en Allemagne, en Hollande ou en Belgique) ! D’ici là, une fête de la musique au pied de la Tour Eiffel avec les Bateaux Parisiens est également prévue.

Expertises professionnelles et passionnées

Technopol dispose de nombreuses expertises chevronnées. Nous avons un conseil d’administration de 15 personnes, toutes professionnelles et passionnées de musiques électroniques qui mettent leurs compétences à disposition de nos membres et de la scène pour mener à bien ces chantiers. Les polarités ont pour référent un membre du CA et nous impliquons également nos adhérents dans les réunions de réflexion. Les membres sont également les bienvenus pour participer à ces réflexions.

A la Techno Parade, on peut voir des bonnes soeurs du couvent de Saint-BPM dispenser la bonne parole au public en liesse.

On pourrait mettre Guetta et Sinclar dans une free et 69DB à la prochaine soirée Unighted pour voir ce que ça donnerait ? (Rires)

Chez Technopol nous avons bon espoir que les choses évoluent en France. Les 15 dernières années électroniques ont été riches et ont fait émerger de nouvelles musiques et surtout de nouvelles pratiques festives. La free party par exemple, a, pour la première fois, offert aux jeunes une réelle alternative au Macumba Night du coin ou aux boîtes select.

De nouveaux espaces festifs, de nouvelles musiques, de nouvelles pratiques de consommation ont émergé. De même que la sortie en boîte de nuit a évolué vers le clubbing et le public est parti découvrir les offres clubbing européennes induisant ainsi des pratiques dites de new clubbing. Tout ceci ayant pris en maturité nous réfléchissons, notamment dans le cadre de nos polarités, à de nouveaux types de fêtes, l’appropriation de nouveaux lieux, notamment en banlieue parisienne avec le Grand Paris. La nuit a toujours su se renouveler et nous espérons y participer !

Historiquement les prix des boissons ont toujours été élevés dans les clubs français.

On a vu se développer autour de nous en Europe une offre festive nouvelle, propre aux musiques électroniques. Au Nord comme au Sud les villes frontalières ont vu se développer très tôt l’offre festive électronique avec les méga clubs belges et espagnols, les énormes raves hollandaises et allemandes et ce dès le début des années 90. Avec l’arrivée d’Internet et des voyages low costs ces événements ont attiré un plus large public qui voulait rompre avec la monotonie de l’offre festive électronique française. On voit tous les mois plusieurs milliers de français prendre le train, l’avion ou le bus pour aller dans ces mégas événements qui n’ont encore aucun égal en France.

Historiquement les prix des boissons ont toujours été élevés dans les clubs français car c’est leur moyen de se faire une marge (paraît-il). Pari pas forcément intelligent car du coup, ceci a aussi été un des facteurs de désertion de ces clubs (en plus d’une programmation musicale pauvre et d’une sélection particulière à l’entrée) au bénéfice d’événements type free parties, squat parties, etc…

Amsterdam et la Hollande c’est particulier car c’est aussi le pays d’un des plus grands brasseurs au monde. Mais concrètement, nous sommes l’un des pays avec les prix de consommation les plus élevés en Europe alors que notre culture de l’alcool laisserait à penser le contraire…

Passion et culture de marque

Nous ne proposons pas de suivi artistique, nous donnons les moyens aux artistes qui souhaitent exprimer leur créativité d’apprendre à maîtriser ces outils. Ensuite c’est à eux de créer et de s’intégrer dans le circuit artistique et le courant musical qu’ils souhaitent suivre. Nous donnons juste les moyens d’arriver à l’expression de sa créativité avec les outils modernes. Nous lançons des formations sur Usine, un logiciel de studio français et quasi gratuit et réfléchissons à des formations Cubase ou encore des modules courts sur Traktor, Serato et autres.

La Techno Parade révèle le potentiel festif des créatures de toutes obédiences. Ici : des filles.

Chez Technopol nous avons naturellement cette culture du fait de la Techno Parade et de la présence de marques sur cet événement. La cohabitation entre passion et culture de marque n’est pas incompatible à partir du moment où l’association sait jusqu’où elle veut aller en termes de visibilité offerte à une marque partenaire. Nous allons lancer une polarité « Marques et Musiques Electroniques » afin de partager les expériences existantes avec nos membres et de créer une sorte de « hub » pour les marques qui souhaiteraient entrer en contact avec des événements ou acteurs de la scène électronique.

Une culture électronique débridée, colorée, festive, éclectique et passionnée !

–

Article initialement publié sur le blog Culture DJ

Crédits photos : Hardlight, Sophie Party Uniq

Crédits photos Techno Parade : Colleen Curnutte, Ollografik, Philippe Leroyer

Ok ça y est JD the DJ a réussi à me pourrir la journée. Enfin quand je dis la journée, j’exagère un peu… Que je vous explique:

JD et moi

Dans une critique mi-figue mi-raison du dernier Radiohead, il signale au compte de l’album the king of limbs que « Radiohead frappe pour une fois là où on l’attend. Soit dans un registre psalmodies/incantations/ dissonances/arythmies/tachycardie déjà abordé ailleurs. Le tout en format court (huit titres) et produit par le fidèle Nigel Godrich, avec tous les espaces, dérèglements et rituels espérés, attendus ou redoutés ». Je résume, parce que JD fait beaucoup de blabla dans son article (vache t’as vu ma vanne ?).

Dans la mesure où la bande à Thom est un groupe dont depuis plusieurs années maintenant je loue plus la démarche artistico-marketing plus que réellement le résultat musical – qui a fini de me perdre dans les circonvolutions de leur esprit musical génial mais dénué de la moindre once d’affectivité de ce grand cœur qui est le mien depuis une trentaine d’année (en gros Radiohead parle désormais plus à mon cerveau qu’à mon cœur) -, je suis plutôt enclin à me ranger à l’avis de JD Beauvallet ce qu’une écoute rapide du dernier album semble confirmer. Que les choses soient claires d’emblée, comme ça j’évacue directement la querelle musicale éventuelle de cette diatribe.

Dénigrer ou ne pas dénigrer les blogueurs, telle est la question.

Dans les pages 4 et 5 de son long article (oui parce que maintenant dans les sites commerciaux on est obligé de séparer les longs articles en quatre à cinq pages pour augmenter le nombre de pages vues et enregistrer un plus grand nombre de recettes publicitaires) JD Beauvallet, qui est pourtant une personne de goût, démontre qu’il est devenu vieux. Enfin plutôt qu’il s’est rangé dans le camp du « old media », avec un air de ne pas y toucher (en gardant une certaine distance entre le propos énoncé, en parlant sans avoir l’air d’en faire partie de l’opposition entre l’internaute lambda et la presse installée. Le fameux « y’en a des qui » de nos cours de récré devenu argument de langage d’un article de presse.

Voici donc le « y’en a des qui trouvent que… » de JD the DJ :

Avec Radiohead, le critique et l’internaute se retrouvent sur un pied d’égalité : tout le monde, en payant la même somme pour le même téléchargement, découvre en même temps la musique et les informations. Tous ont les mêmes oreilles, mais tous n’ont pas le même parcours, le même savoir s’insurgent ici et là les journalistes dépossédés. (…) Sur la critique d’un seul et unique disque, livré sans la moindre information supplémentaire à la presse, l’avis d’un internaute de Bourganeuf vaut celui du rédacteur en chef du NME ou d’un critique de Pitchfork.

Ainsi donc certaines institutions de la presse musicale propre sur elle dont les Inrocks font ou ne font pas partie (ouais parce que monsieur Beauvallet entretient l’ambiguïté, le lectorat étant précieux et il faut bien le ménager) se sont senties humiliées de voir leurs prérogatives séculaires bafouées. Pas de CD-R, pas d’avance, pas d’écoute presse dans les locaux de la maison de disque, pas de dossier de presse qui résume ce que la presse d’ici et d’ailleurs a pensé de l’album, pas de moyen de se situer par avance par rapport aux confrères, pas de moyen de prévoir une couverture hebdomadaire bien aguicheuse, du genre de celle qui attire le chaland vers le kiosquier, rien… Pas même un peu d’avance par rapport à la plèbe, qui permette de signaler que « et chtoc, nous ne sommes pas du même monde toi public huissier et moi journaliste punk. Toi tu dois attendre la sortie officielle pour te forger un avis que je t’aurai prémâché. Moi je sais d’avance ce qui sera bon ou pas, et à fortiori bon pour toi ».

Quand Radiohead joue au chien dans un jeu de quilles

Je sais ça fait mal. D’abord parce que Radiohead décide de ne pas jouer un jeu qui recommençait tout juste à se re-roder à l’ère numérique. Une ère où certes les voyages de presse aux frais de la maison de disque sont moins nombreux, mais où quand même à la faveur d’un lien en stream ou d’une écoute publique dans un café/salle de la région parisienne, la presse française peut gagner ce petit supplément d’avance qui leur fera gagner quelques places dans le référencement des sites par Google. Un jeu que maisons de disques et presse en ligne ont compris assez tardivement certes, mais des privilèges qu’ils ont réussi ensuite à bien utiliser (et je ne leur jette pas la pierre… combien sont-ils les blogs musicaux sur lesquels je tombe à la faveur d’une recherche qui se fendent d’un articulet –artienculé- bidon annonçant tel ou tel album, juste pour que Google les remonte en page 1 sur la clé de recherche liée à l’album…). En fournissant le même matériel à tout le monde en même temps, le groupe a réussi à mettre tout le monde sur un pied d’égalité.

Une égalité qui pointe les limites du système de l’information musicale liée à l’économie. Ce faisant, le groupe ne donne pas plus la prééminence à un site professionnels, à des journalistes rémunérés pour écrire un papier qu’au péquin moyen de Chalmaison en Seine et Marne.

La presse musicale c’est le maaaal ;-)

Normalement c’est là que moi blogueur j’y vais de mon discours sur la collusion publicitaire qui existe entre le journaliste payé pour critiquer un album, par des revenus publicitaires des maisons de disque et tourneurs qui annoncent sur leur site, là où un blogueur lambda sans publicité ne fait que relayer son sentiment profond, sans autre but que la beauté du geste et du partage. Je m’abstiens. Parce que je n’ai pas assez de place. Parce que je sais aussi que certains blogueurs musicaux sont devenus des quasi entreprises de production de contenu promotionnels et finissent par faire attention à ce qu’ils écrivent.

Il faut cependant noter que ce genre de vexations à priori, le grand public s’en branle. Le jeu de la prise d’avance de la presse tend même à le saouler. Combien de fois n’avons-nous pas été emballé par un article de Christophe Basterra dans Magic ! concernant un album… Avant de nous rendre compte qu’il faudra attendre près d’un mois pour l’écouter….

Blogeurs contre presse: un discours dépassé non?

Or donc la question n’est pas tant de savoir si les inrocks, magic et autres rock and folk de notre paysage magazinesque français doivent pouvoir conserver le privilège de l’avance par rapport à la plèbe. En fait cette question sous-jacente me fait doucement rigoler. Franchement, c’est d’une naïveté sans nom que de penser que seul le jeu du « c’est moi qui l’ai écouté en premier et qui peut te mâcher le travail d’écoute » restera le modèle pour les années à venir. C’est sooooo nineties comme on dit sur le web. Dans un univers mondialisé par le web, où les décalages géographiques, horaires et la pluralité des supports musicaux sont devenus une évidence, il est ridicule de penser que le schéma Artiste > label > presse > public continuera bien longtemps à faire la loi.

Tous les amateurs de musique ont fini de recourir au seul CD, aux seuls MP3 pour creuser un genre particulier ou partir à la recherche d’artistes du même style que ceux d’une découverte qui nous a fait triper. On nous a donné le net, on a appris à aller nous servir nous-mêmes. On nous a donné Myspace, et pendant un temps on a même cru qu’allait s’y concentrer le bon grain et l’ivraie, mais en tout cas l’essentiel des contenus musicaux produits par une tripotée d’artistes répartis aux quatre coins du globe. Garder de l’avance, pour la presse traditionnelle, c’est avouer qu’on ne s’intéresse qu’au circuit officiel, à l’ancienne qui passe par le groupe, son manager, le directeur artistique d’un label, le directeur marketing, son attaché de presse , les inrocks puis la Fnac. Heureusement pour nous, cela fait longtemps que ce modèle a vécu. L’internaute est capable et a les outils pour aller seul vers une musique qui lui ressemble.

La question n’est même pas de savoir si les Inrocks, magic et autres rock and folk de notre paysage magazinesque français font du bon ou du mauvais travail. Si les blogueurs musicaux par contre ont moins de poids que JD ou n’importe lequel de ses sbires. Je ne m’étendrai pas sur les critiques à l’emporte pièces lues parfois sur le site des Inrocks au sujet d’albums moins tête de gondole, rédigées par des journalistes pigistes ou stagiaires qui ont une connaissance au moins aussi parcellaire que moi de la musique. Quand je rédigeais ma première critique sur le web, Johanna n’était pas encore la journaliste efficace des Inrocks qu’elle est devenue…

La presse musicale fait-elle un meilleur travail de critique que mon pote de Bourganeuf. M’en tape. Déjà je trouve la fatuité des propos remontés par M. Beauvallet,vexant pour la plupart des blogueurs musicaux que je connais et respecte depuis des années pour la qualité de leur travail, et aussi parce que je pense que tous ces titres de presse ont fait et continuent à faire un travail d’abattage énorme. Bon ok, j’ai bien mon avis polémique sur la question d’ailleurs… En effet quand je tapote le nom d’un artiste sur le net, que je tombe sur un blog home made, il ne me faut que quelques lignes de lecture pour savoir si du fond à la forme l’avis de la personne qui l’a écrite m’intéresse ou est susceptible de m’apporter un supplément d’aide au choix. Une sélectivité que je n’ai parfois plus quand je passe dans le giron des « installés ». Parfois quand je finis une critique des Inrocks, je suis ultra déçu. Déçu de m’être fadé une critique longue que j’ai lue jusqu’à la fin, écrite par un gusse dont je me rends compte qu’il ne m’a pas donné un seul argument valable pour encenser ou détruire un album. Déçu parce que le mec qui l’écrit a une pire connaissance du groupe glosé que celle que je peux en avoir Et que j’ai tout lu à la seule raison que « attend c’est les Inrocks, je vais sûrement apprendre quelque chose ». Je préfère de loin trier vite fait auprès de quidams anonymes que je peux prendre ou zapper en fonction de ce qu’il m’apportent de la compréhension de l’album. En me demandant rarement à la fin, si l’avis que je viens de lire n’est pas aussi un peu biaisé par la collusion publicitaire entre le site et le label.

De l’utilité des magazines musicaux en 2011

Non, la vraie question à se poser est: quel rôle le lecteur demande à ses magazines musicaux en 2011, à l’heure de la mondialisation des sources via le web, à l’heure aussi de la mise à disposition mondiale de la musique? La question est une fois de plus celle de la valeur du média face au monde.

Est-ce que je demande aux Inrocks de me fournir l’avis de ses pigistes sur un album écouté en amont ? Est-ce que je ne préfère pas plutôt à cette critique au kilomètre, calée aux sorties des labels, me rapprocher de l’avis circonstancié et long en bouche de mon pote Benoît, Olivier, des avis de Mlle Edie, parfois en décalage total avec la sacro sainte actualité ; ou des petites infos dispensées de ci de là par @dissogirl , @JSZanchi , @Zikomagnes , @Co_Sweuphoria  …. Autant de gens dont la géographie ou le cénacle fréquenté, me parlent avec des mots qui me touchent plus que n’importe lequel des avis d’un des mecs qui a entendu tous les advance d’un même CD, été gratuitement à toutes les versions du concert du groupe chose à laquelle vu le prix demandé, je ne pourrai jamais mettre les pieds ? L’âge aussi que semble oublier le papier de Beauvallet. Je me souviens de l’anecdote du frangin découvrant Get Ready de New Order sans avoir jamais écouté une once de Substance et m’expliquant pourquoi c’était à ses yeux un album rock exceptionnel ? Faut-il connaître toute l’encyclopédie du Garage rock pour aimer les Strokes ? Faut-il parler de Colombier pour bien évoquer les arrangements d’Arnaud Fleurent Didier ?

Bullshit.

Le tout est d’être capable de fournir une information sensée sur un album. Sinon au plus grand nombre à tout le moins à ceux qui par affinités électives ont fait l’effort de lire la critique, parce que le sujet, la forme ou la manière utilisée pour le décrire me parle, m’évoque, me donne envie d’aller découvrir l’artiste. Le reste n’est que de l’astiquage de nougat, rendu privilégié par l’accès en amont à certains contenus.

En 2011 déjà, La vraie force des Inrocks, Magic, et consorts par rapport à la masse de blogueurs dont Pitchfork fit un jour partie, c’est leur nom. Le gage de qualité, la patente, la coloration esthétique ou politique. Plus que n’importe lequel de leurs articles. Et cette « hiérarchie » se duplique en interne. Une critique de miss Seban aura toujours moins de valeur à mes yeux qu’une critique de JD etc. Peu de ces médias le comprennent déjà, lancés dans la course au toujours plus tôt, au plus intello, au plus référencé, au plus démonstrateur de passe-droits.

Un jour, pour parler d’un album à sortir, ces médias installés, ces « old médias » comme on les appelle affectueusement entre nous, comprendront peut-être que leur destin véritable se situe plus dans la curation de contenu que dans la production kilométrique.
La curation ? mais siii cette méthode qui consiste à collectionner, agencer et partager les contenus les plus intéressants (textes, images, vidéos, etc.) autour d’un même thème. Demain, les Inrocks, Magic, Rock and folk et les autres deviendront peut-être des e-documentalistes 2.0. c’est-à-dire des sortes de pères putatifs d’une armée de blogueurs, de vrais gens écoutant avec la seule arme de leur vraie oreille les productions musicales de mille lieux de la planète. Une revue de blogs patentée JD the DJ aura peut-être plus de valeur que son avis lui-même sur un album, certainement plus de valeur que celui du pigiste payé au lance-pierre par le label qui finance la page de pub.

Parce qu’ainsi le magazine sera capable de traiter un spectre plus large de création musicale que la seule routine des labels, parce qu’ainsi les papiers des « pontes » de ces médias acquerront une plus forte puissance, eux qui laisseront l’annonce, l’effet et le trivial aux blogueurs internautes (le son général, la date de sortie, le label, et la forme générale de l’album) et prendront tout le temps alloué à leur papier à l’explication personnelle, à ce que ça leur procure, ce que ça leur renouvelle etc. Une critique plus personnelle, moins informative, nourrie de l’âge, de l’expérience, et de l’aura du capitaine sur ses ouailles. Une valeur véritable que ne pourra jamais même tenter le blogueur influent depuis deux ans ou le pigiste de la rédaction payé à faire mille choses dans une seule et même journée, forçat de rédaction précaire.

Conclusion où on reparle un peu de Radiohead

Alors non, non, l’album de Radiohead ne me fait pas rêver du tout. Il est beau, bien torché et dans la droite ligne du précédent, ce qui est dommage pour un groupe qui a pris l’habitude de tout réinventer à chaque opus comme la bande à Thom Yorke. Reste qu’en mettant tout le monde sur un pied d’égalité il a au moins renouvelé ici le rapport de la critique musicale à son œuvre. Et permettre à des blogs de concurrencer le référencement des Inrocks sur le nom de l’album, moi dans l’absolu… ça me fait marrer. Rien que pour ça tiens, j’aime bien Radiohead ;-)

Denis Verloes

–

Article initialement publié sur: Benzinemag

Crédits photos flickr CC: Rock Mixer, dwineberger, just.Luc, serjaocarvalho, unawares

Il est plutôt ici question de journalisme techno en tant qu’écriture façonnée par les spécificités musicales et culturelles du genre en question. Bien entendu, des plumes se sont exprimées, les plus brillantes d’entre elles restant confinées aux fiévreuses 90’s (Michel Thévenin ou Liza N Eliaz dans le Coda des débuts) ou à quelques successeur en forme de webzines ou blogs (l’inégalé Dr Venkman sur Signal-Zero). Et force est de constater que cette pratique reste confidentielle.

La cause en est simple : aujourd’hui l’écriture musicale doit illustrer des guides de consommation. D’où ce format répandu de chroniques de disques proportionnellement bien garnies du chapelet des titres composant l’album, ainsi que leurs particularités. Il faut des accroches, des ancres commerciales, un rappel du titre du single. A lire dans n’importe quel hebdo culturel.

L’exécution idéale des partitions électroniques

Or les formats techno ne donnent pas prise à cette écriture. La techno, ce sont des milliers de morceaux produits chaque année par des producteurs généralement pas connus, joués par des DJ généralement pas connus, dans une multitude d’évènements généralement pas connus. Alors ça ne passe ni sur RTL, ni sur Oui FM, ni même chez Bernard Lenoir sur France Inter. Difficile à panéliser, tout ça.
Dans la techno, tout vient du dancefloor et tout y est voué. Cette musique est centrée sur l’évènement et pas sur sa diffusion media, car seul l’évènement réunit les conditions d’exécution idéale des partitions électroniques. Même si, logiquement, l’industrie a exercé ses pressions pour façonner l’écosystème techno. Exemple.

En soirée, jouer le CD d’un mix préenregistré assorti d’une bonne gestuelle dite des « bras levés » peut faire l’affaire.

La techno pose plusieurs problèmes à un business musical industrialisé, en premier chef le postulat d’une distinction entre l’auteur d’une œuvre (le compositeur/producteur) et son interprète public (DJ). Qui est la star à exposer le dimanche après-midi chez Michel Drucker ? Choix difficile ayant entraîné une simplification extrême, d’où le syndrome du « producteur-qui-mixe » : l’exposition au public de l’auteur d’un tube. Auteur parfois judicieusement initié aux bases du mix, voire pas initié du tout : en soirée, jouer le CD d’un mix préenregistré assorti d’une bonne gestuelle dite des « bras levés » peut faire l’affaire. Ce qui compte est moins les qualités de DJ que l’effet d’annonce de la présence sur tel évènement de l’auteur d’un tube. La plupart des DJ stars sont des producteurs qui mixent, dont les singles se vendent (un peu) et se diffusent individuellement, sans avoir à être enchâssés dans des mix joués à 4h du matin loin des pantoufles.

La foudre née du mix

Plus largement, ce qui est montré en matière d’évènement techno relève de formats adaptés à un entertainment passé à l’équarrissage mainstream : montrer des DJ stars bisant des VIP… Hors la vraie star d’un évènement techno, c’est le dancefloor. Donc le journalisme techno, c’est raconter le dancefloor, où tout prend sa source. Le journaliste techno est un reporter sur le théâtre des opérations festives. Argh, comment faire…
A la base d’un dancefloor dynamique, vivant, coloré, dansant, sexy, bref, festif : la confrontation chaleureuse des énergies émulées. D’un côté, un DJ propulsant la foudre née du mix de deux morceaux dans un système de sonorisation orienté vers le dancefloor en tant qu’espace. De l’autre, des groupes d’individus s’agglomérant pour une minute ou pour une nuit pour composer le dancefloor en tant qu’être collectif. Au milieu, la fête techno comme succession de fugacités ordonnées, agencées et orientées vers un pic. Fugacité des tracks, des DJ, des rencontres. Le journalisme techno, c’est raconter des fêtes du point de vue du dancefloor, en distinguant certaines fulgurances sans les starifier.

Facile de comprendre que la marchandisation des éclats atomisés d’un tout éphémère n’est pas intéressant pour un système avide de codes-barres. Alors pas besoin d’exposer cela à un grand public choyé selon les méthodes romaines du panem & circenses (du pain et des jeux).
Difficulté supplémentaire : déjà incompatible avec les logiques industrielles de l’amusement des masses, la techno n’a, de plus, jamais produit de culture propre, identifiable et facilement reproductible. Ce qui tient lieu de culture techno a récemment pris une nouvelle tournure avec les réseaux sociaux, royaumes de l’expression fugace d’émotions éphémères. Le journalisme techno peut donc émerger grâce à des supports véhiculant au mieux une des spécificités d’une fête techno : le transport instantané des fragments d’une pensée devenue liquide, puis énergie.

La fête techno est un Facebook-de-la-vraie-vie où les individus glorifiés s’entrechoquent et se fondent dans un tout kaléidoscopique. A ceci près qu’aucun réseau social n’emmène son audience comme un seul bloc vers un pic orgasmique.

PARTY TIIIIIIIIME !

___

Cet article a été initialement publié sur Culture DJ

Photos CC Flickr : CairoCarol, Roadsidepictures, from the field

Puisque tu as tous ces sites, c’est bien pour y exister. Pour discuter, échanger, interagir. Tu vas donc voir arriver des gens qui te soutiennent, des purs fans, des mecs qui ne t’aiment pas et te le disent. Ceux-là, tu vas les gérer parce que tu vas les reconnaître. Mais le Troll, lui est un tout petit peu plus finaud.

Mais qu’est ce qu’un troll ?

Oui oh je sais encore un terme d’informatique de geek et tout. On s’en fout d’où vient le mot. Tu crois que ça m’amuse d’apprendre plein de trucs de geek à la con ? Non mais le vocabulaire et les concepts du geek doivent être maitrisés un minimum pour survivre dans cette jungle que serait internet.

Le Troll donc est un homme ou une femme qui n’a qu’un seul but : te pourrir la vie. Bien sûr on se dit tous que ça existe pas, donc on insiste, on argumente, on discute. Le troll se nourrit de notre insistance, de notre volonté de comprendre, discuter, convaincre quand lui n’est là que pour déprécier, mépriser, détruire.

Pour un internaute moyen, c’est déjà très fatiguant. Te faire prendre la tête par un troll qui veut absolument que tu reconnaisse que les moufles sont mieux que les gants en plastique pour faire la vaisselle c’est une chose.

Mais à moins d’être le président du club contre les moufles dans l’évier, tu vas vite lâcher prise : « heu ouais bon ok t’as raison, les moufles c’est mieux, salut… connard ».

Si tu écris quelques articles ici où là, déjà, le troll va te gonfler, te prendre du temps. Tu y passes du temps et hop lui il arrive pour critiquer, te démolir toujours avec des arguments fallacieux mais bien ciblés. Mais bon, allez quoi, il critique ma critique ? So what.

Mais si on parle de ta musique là déjà c’est plus la même. Ça va te toucher au cœur direct. Et forcément tu vas vouloir réagir.

Le Troll Musical

Surtout que le troll musical n’agit pas comme le troll des blogs. Le troll des blogs ou des forum arrive, écrit un truc dans le genre « ah putain mais just tro nulle ton article. Mais comment tu peu être assé con pour penser que Avatar n’est pas le meilleure filme de tous les temps espèce de gros connard prétention de parisien de merde de tête de chien à la con. Gerald Ps : connard » Normalement si tu es un tant soit peu prévenu, tu sais qu’il y a un troll qui se ballade sur ton site.

Mais le troll musical est d’un autre acabit. Le Troll Musical veut t’aider. Le Troll Musical a des contacts. Le Troll Musical sait ce qui est bien pour toi.

Et toi pauvre naïf, au premier Jean Françis (c’est une exemple) qui va se pointer « hey t’sais, j’connais un top programmateur qui pourrait surement t’aider. » tu vas plonger. Sauf que le Troll, Musical ou pas, est généralement un raté aigri. Qui rate tout ce qu’il entreprend et inpute son échec aux autres.

Et forcément ce qu’il te propose va foirer (si tu acceptes). Et si tu refuses en lui expliquant poliment que « non tu ne crois pas que venir chanter au gala de la moufle dans l’évier soit absolument indispensable » tu vas te prendre une avalanche d’insultes ou conseils ou imprécations, malédictions.

Ou pire, ce faux fan vrai troll musical qui va commenter toutes tes initiatives.

« ah cool ce concert à Millau. Vraiment cool. Mais moi j’aurais plutôt joué à la salle des moufles qu’à celle des lilas ». Ou « Bon j’aime bien le rouge, mais je préfère le vert pour la couverture » et qui va surement finir par un « ouais mais bon, désolé 12 euros le t-shirt vraiment je cautionne pas. C’est de l’esclavagisme.

Et en plus tu sais qui les fabriquent tes t-shirts » t’écrira le connard de troll musical bien assis sur son fauteuil conçu par des enfants, la main sur sa souris fabriquée par des enfants, portant son t-shirt fabriqué au Laos par des enfants et acheté 25 euros parce que dessus il y a écrit « I am a troll, so what ! ».

Apprends à repérer le Troll parce que sinon, il va te bouffer la vie. Je n’exagère pas. Je ne peux pas t’en convaincre mais demande autour de toi, clique sur les quelques liens et tu verras qu’un Troll peut t’emmener loin. Très loin. Et te bouffer ton énergie. Parce qu’il se nourrit de ton énergie.

Mais alors je suis condamné à me faire Troller ?

Sache le, le troll musical comme l’autre troll se nourrit de ta colère. Et un troll appelle l’autre. Comme s’ils étaient connectés. Donc plus tu réponds, plus ils arrivent.

La méthode est pourtant simple et imparable mais comme toutes les méthodes il faut s’y tenir, à 100%, tout le temps et sans exception. Et je ne dis pas que c’est simple (je serais mal placé pour le dire).

Le Troll tu lui réponds UNE fois. Courtois, poli, ironique pourquoi pas. Et tu vois. Le bon sens devrait te permettre de voir si c’est une personne qui a la critique saine

Si ça repart sur un combat de moufle, c’est un troll, tu ne lui réponds plus jamais. PLUS JAMAIS. Tu verras. Le Troll disparait. C’est dur bien sûr parce qu’on a tous envie d’avoir le dernier mot, que quand même là quand il te dit que tu jouerais mieux avec des moufles t’as un peu envie de lui répondre. Mais non : Tu l’ignores.

Le troll est soluble dans le silence et il meurt de l’ignorance puisque dans la vraie vie tout le monde l’ignore. Et plutôt que de faire des trucs bien sur le web, il a décidé d’être con. Bref, emmerde les trolls, ignore les et occupe toi de ta musique et de tes fans, les vrais !

PS : De ce point de vue là tu pourrais considérer que je suis une sorte de super troll, de maxi méga maonster troll vu comment je suis là à vouloir t’aider et tout. Mais bon, je te rappelle juste que c’est toi qui viens chez moi et pas l’inverse

__

Cet article a été initialement publié sur BCommeBoxsons.

Valéry est le fondateur du site BCommeBoxsons et est également à l’origine du projet Net Emergence.

Crédits photos CC flickr : .m for matthijs, julesagogo, betsythedevil

Le clubbing parisien vient de finir son auto-auscultation. Il a fallu pas moins que des Etats généraux de la Nuit Parisienne côté Mairie de Paris les 12 et 13 novembre, et la première édition des Nuits Capitales du 17 au 21 novembre, pour que de nombreux spécialistes s’enhardissent à réaffirmer l’espoir d’un clubbing heureux à Paris.

En précisant qu’en 2010 et la décennie qui arrive, c’est un secteur économique qui pèse lourd dans les villes où il est dynamique. On ne parle donc pas d’un caprice de bobos geignards. Il s’agit en fait de se donner les moyens de mettre Paris au niveau de Londres, Berlin, Rotterdam, Barcelone, Milan, où le New Clubbing en tant que culture épanouie bénéficie au tourisme en tant qu’industrie.

Et justement, à observer les raisons du succès de ces métropoles, on peut tenter une idée folle : l’avenir du clubbing parisien est en banlieue. Toutes les Nuits Capitales ne règleront pas la question centrale du manque d’espace intra-muros. Alors que la petite couronne (92-93-94) est couverte de grues, de friches – et d’entrepôts qui il y a 15 ans ont pu faire le bonheur de quelques free parties. En banlieue il y a de la place, en banlieue on peut faire du bruit, le voisinage sourcilleux de l’acouphène y est moins vif.

Précisions sur ce que recouvre le terme fantasmatique de banlieue, avant que ne s’élève le chœur des pleureuses pour qui la vie se passe dans les arrondissements à un chiffre. Donc, en l’espèce : la banlieue est l’espace géographique entourant Paris (selon Wikipédia, le site préféré de Michel Houellebecq : « La banlieue désigne la zone urbanisée située autour de la ville-centre, cela comprend aussi bien des quartiers pavillonnaires que des quartiers plus populaires. La notion est donc socialement neutre et correspond à une réalité physique. »). La banlieue ne se définit pas par ses mythes : voitures brûlées, combats de chiens, trafics à ciel ouvert. Et à vrai dire, la banlieue, seuls ceux qui en viennent savent de quoi il est question.

Début de solution

La banlieue qui nous intéresse est celle qui est accessible par le métro, donc rapidement et pour pas cher. Issy-les-Moulineaux (ligne 12), Boulogne (lignes 9 et 10), Courbevoie (ligne 1), Asnières (ligne 13), Gennevilliers (ligne 13), Saint-Ouen (ligne 13), Saint-Denis (ligne 13), Aubervilliers (ligne 7), Pantin (ligne 5), Montreuil (ligne 9), Maisons-Alfort (ligne 8), Ivry (ligne 7), Villejuif (ligne 7), Malakoff (ligne 4), Montrouge (ligne 4). Le STIF (Syndicat des Transports d’Ile de France) travaille à un métro circulant toute la nuit entre le samedi soir et le dimanche matin.

Ami parisien, fais-toi violence, vainc tes atavistiques réflexes anti-banlieue et calcule le temps de trajet entre un club, dont tu sors à 6h le dimanche matin, et ton domicile, selon deux hypothèses : 1 : le club est situé en centre ville. 2 : le club est situé près du terminus d’une ligne de métro. Un début de solution fraye alors son chemin entre toutes les couches sédimentées de snobisme anti-banlieue.

La banlieue, seuls ceux qui en viennent savent de quoi il est question.

La banlieue n’est pas loin. Elle est toujours moins éloignée que Londres et les autres. Le chœur des pleureuses se fait toujours entendre ? Le problème ne serait donc pas la distance ? Eh bien non… Le problème, c’est l’offre. Personne n’ira en banlieue pour une offre clubbing similaire à celle qui existe déjà intra-muros. On ne parle pas de délocalisation de l’existant, mais bien de nouvelles promesses festives, correspondant à un nouvel espace.
Pour résumer l’équation du clubbing en banlieue : nouvel espace = nouvelle offre.

Confusion entre rareté et prestige

Du point de vue du public : il s’agit d’une nouvelle offre de prestations, à tous les étages. Artistique, son, confort, accueil, le tout bien mis au carré par une saine équation de rapport qualité-prix. Le public New Clubbing est éduqué, il est prêt à payer, mais il en veut pour son argent. Les limiteurs de son et les prix du bar exacerbés, non merci.

Du point de vue des organisateurs : il est question de nouveaux modèles de contrats avec les lieux. Modèles inspirés de ce qui fonctionne dans le reste de l’Europe, et reconnaissant l’expertise de l’organisateur. Par exemple, le lieu peut fournir un budget à l’organisateur pour la direction artistique et une partie de la promotion. Modèle rôdé… partout ailleurs. Car à Paris les lieux confondent parfois l’intérêt que suscite leur rareté avec leur prestige. Ils fonctionnent parfois encore sur le mode « les lieux se remplissent automatiquement car ils sont rares » + « les organisateurs peuvent subir toutes les pressions car il y en aura toujours pour accepter toutes les conditions même les pires » = « la nuit rapporte ».

Quels plaisirs ?

Un public capable d’aller clubber à 1000 kilomètres pourra aller clubber à 5 kilomètres, mais pas pour retrouver en zone 2 SNCF la même chose que dans les arrondissements à un chiffre.

Reste à définir ce qu’est un organisateur de soirées. Entre expert de la logistique évènementielle et pourvoyeur de fantasmes, le champ est vaste, les réponses sont multiples, les candidats nombreux.

D’où la question : « Nuits parisiennes : quels organisateurs pour quels plaisirs ? ».

-

Article initialement publié sur Culture DJ

Crédits photos : FlickR CC jean-fabien

Avant l’interview, Didier Lockwood confie qu’il travaille actuellement sur un projet intéressant. La surprise est de taille, puisqu’on apprend qu’il a été mandaté par le ministre de la Culture, Frédéric Mitterrand, pour travailler sur la démocratisation de l’enseignement musical en France, notamment sur les conservatoires.

“Le ministre m’a mandaté pour cette mission qui consiste à travailler sur les conservatoires et j’ai demandé d’élargir cette mission à l’Education Nationale. A cette occasion, un groupe de mission a été constitué avec d’illustres représentants des diverses esthétiques musicales : Jean-Claude Casadesus (chef d’orchestre), Claire Gibault (chef d’orchestre), Michel Jonasz, Manu Katché, Andy Emler (jazz contemporain), Bruno Montovani (compositeur contemporain et nouveau directeur du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris)… Les préconisations sont à rendre en début d’année 2011. A la suite de ce travail et l’acceptation des préconisations par le ministre, un travail approfondi sur les contenus pédagogiques sera engagé. Ces changements devraient toucher le cœur et l’esprit de l’enseignement des arts puisque cette mission, si elle réussit devra s’étendre à l’ensemble des enseignements artistiques.” (Didier Lockwood)

Je propose des préconisations optimales, qui vont dans le sens de la mission dont on m’a chargé. Ce qui est pratique, c’est qu’elles peuvent êtres mises en œuvre progressivement. C’est une réorientation où nous pourrions préconiser le rééquilibrage entre les musiques dites classiques, contemporaines, écrites, et les musiques dites populaires (musiques actuelles, improvisées, traditionnelles, amplifiées…)

C’est une réorientation où nous préconisons la réintroduction des musiques actuelles à la même échelle que les musiques dites “savantes”. Le but étant de faire en sorte que les conservatoires ne soient plus des îlots principalement consacrés à la musique écrite, patrimoniale, musique d’interprétation mais qu’ils puissent s’ouvrir aux techniques d’apprentissage oral et du senti que nous proposent les musiques actuelles et improvisées. Il serait donc possible et souhaitable de repenser à une formation initiale adaptée tel un tronc commun entre les deux apprentissages jusqu’à aujourd’hui distingués.

Dans le souci de préserver un niveau d’excellence, les parcours des élèves permettront de s’engager à partir du deuxième cycle de l’enseignement vers une spécialisation tout en distinguant ceux qui souhaiteraient s’engager dans une voie professionnelle et ceux qui voudraient s’engager dans une voie amateur.

La transversalité qui aura été créée au niveau de la formation initiale permettra à ces élèves de posséder l’ensemble des valeurs dont un musicien a besoin aujourd’hui, au 21ème siècle et devrait permettre aussi de développer et d’élargir les filières professionnelles des musiciens.

Dans le cadre de cette orientation, les pratiques d’ensemble devraient être favorisées et à travers un travail studieux et sérieux, trouver les points d’accroche du plaisir musical.

Cet énorme chantier devrait amener à une restructuration qui pour moi tient plus au rééquilibrage qu’à la remise en cause d’un système. Le souci permanent de nos travaux est de donner à ceux qui sont au cœur du processus (les enseignants) un nouvel élan pour pouvoir peut-être transmettre leur savoir avec une meilleure écoute et un meilleur impact. Tout ceci ne pourra pas se faire sans la prise en compte de la réalité des enseignants et de comment les intégrer dans un nouveau dispositif sans qu’ils s’en sentent rejetés. Tout cela se fera en concertation avec le corps enseignant, sans remise en question de leurs compétences respectives.

Si je suis ma lettre des mission, qui naît un peu de l’exemple de l’Histoire des Arts (obligatoire depuis peu) cette réflexion sur la musique pourrait être la pierre fondamentale d’une remise en question de l’ensemble des enseignements artistiques en France dans un esprit de totale transversalité. Peut-être pourrions-nous penser, à l’instar de l’Histoire des Arts aux “Écoles des Arts”…?

10-15 ans. Il faut considérer cette étape comme une réorientation. Le parc d’enseignants dont nous disposons comporte deux générations différentes, il suffira d’apporter aux uns et aux autres le soutien nécessaire à leur participation à ces éventuelles préconisations.

D’autres points sont abordés par cette mission comme le rôle pédagogique des orchestres symphoniques, se mettre au service de la transmission et de la sensibilisation en déplaçant les orchestres dans les écoles et entreprises mêmes, ce qui se fait déjà beaucoup en Angleterre. Organiser des résidences dans les écoles… plus qu’une mission de représentation, c’est une responsabilité éducative qui est intégrée depuis longtemps dans le cahier des charges de multiples pays européens.

Cela va de soi. Le numérique sera enseigné dès le cycle initial. Dans les cycles spécialisés, ce domaine concernera surtout les musiques actuelles qui utilisent énormément ces supports pour la création autant que pour la promotion.

Lors de la mise en place des contenus des programmes LMD, j’ai fortement insisté sur l’intégration du numérique. En effet, il est indispensable que les cursus classiques s’acclimatent à cet outil, nous sommes d’accord. Ne serait-ce que du point de vue de l’auto-promotion et de l’auto-production.

Les conservatoires commencent à intégrer les musiques improvisées ou actuelles dans leurs section jazz. Nous, au CMDL, essayons de travailler sur un réservoir d’étudiants qui ne soit pas trop important. Ce qui nous importe est d’avoir une relation humaine et qualitative avec les élèves. Nous n’intégrons jamais plus de dix élèves par année par classe. Une cinquantaine d’élèves en tout. Nous n’avons pas de cahier des charges, ce qui nous permet de procéder de la manière que l’on veut. Nous avons une manière extrêmement spécifique d’enseigner et l’on voit en dix ans les résultats que cela a donné. C’est en ce sens qu’il est indispensable que l’on nous accepte dans le cycle de l’enseignement supérieur. Notre statut d’établissement privé nous pose problème quant à cette intégration. Nous essayons de rester dans une réalité populaire. L’aspect élitiste qu’on donne au jazz nous dérange. Réalité populaire ne veut pas dire négliger l’exigence de l’excellence. Populaire n’est pas péjoratif.

Quand on enseigne le jazz comme étant une forme “savante” c’est-à dire dans un format élitiste on néglige les valeurs fondamentales (le groove, la danse, le placement rythmique, l’”entertainement”…) qui font de cette musique un art majeur.

En effet, il ne fallait pas qu’elle réponde au critère de musique populaire qui est un terme péjoratif en France. C’est là que le bât blesse et ce que vous soulevez est très important et il faut le mettre en avant car tout ce qui fait référence à l’enseignement en général, et pas seulement de l’art, tout ce qui fait appel à notre animalité, à nos instincts est mis de côté et éclipsé par l’intellect et le cérébral dans notre système actuel. L’animalité et l’instinct ne sont pas reconnus comme des connaissances ou des sciences alors qu’à mon avis, la reconnaissance ou la connaissance de nos instincts est sûrement la plus grande des sciences. Un certain nombre d’études a été fait sur l’improvisation et elles montrent que les personnes qui font du rythme de manière intuitive – ce que l’on appelle la danse intérieure – travaillent sur des algorithmes très élaborés. L’instinct est notre force la plus véridique. Je pense que notre intelligence et notre intellect sont là pour lire les secrets de notre instinct et le transcender.

Le mot “conservatoire” comporte ce terrible aveu : on sépare l’homme. C’est le romantisme qui a voulu ça. C’est tout à fait contraire au concept de la musique dans sa dimension de langage universel.

Ma première intention était de perpétrer cette école de violon jazz français qui est constituée de Stéphane Grappelli, Michel Warlope, Jean-Luc Ponty, moi-même…

Avant de faire du CMDL une école multi-instrumentale, je voulais profiter de cette génération de violonistes qui sont sortis des sentiers battus et ont constitué un répertoire jazz qui fait désormais partie de notre patrimoine culturel français. Il y a deux pays qui sont représentatifs du violon jazz : la Pologne et la France. Deux cultures de musiques improvisées mais avec des accents différents.

Pourquoi en France, parce que j’ai un problème avec les “Amerloques”. Ils ont tendance à tout s’attribuer. Ils ont toujours pensé que le jazz, c’était les États-Unis et maintenant ils déchantent parce qu’ils s’aperçoivent que les musiciens européens ont du style et produisent pas mal d’œuvres de qualité. Et puis, le patrimoine “violonistique” américain se repose plus sur la culture bluegrass quand en France nous avons une grande école de musique classique (l’école impressionniste, sans oublier que les grands musiciens de jazz Américains sont venus suivre les cours de Nadia Boulanger), ce qui nous donne une technique.

Quand on a une spécificité, autant s’en servir et faire école. J’ai eu beaucoup d’influences de Stéphane Grappelli et Jean-Luc Ponty, donc j’ai décidé d’essayer de perpétuer cette tradition. Depuis onze ans, beaucoup de jeunes sont sortis et nous avons des exemples comme Fiona Monbet, jeune violoniste de 20 ans qui va sortir son premier disque très prochainement et qui est dans ma classe depuis l’âge de 9 ans.

Cela a été très mal accueilli. J’étais déjà un peu incontournable à l’époque dans le sens où j’avais une image d’artiste international. Quand un artiste veut se mêler de l’éducation, on trouve toujours ça un peu suspicieux et dangereux. Une certaine forme de défi et de concurrence parce que je ne voulais pas rentrer dans le moule. J’ai dû faire appel à des appuis politiques. Ils m’ont fait trainer un an avant de m’accorder une petite subvention.

“Pourquoi Didier Lockwood plus qu’un autre” et “on a déjà ce qu’il faut en conservatoires”. C’est un peu comme Alain Prost qui voulait ouvrir son écurie de Formule 1, on lui a mis des bâtons dans les roues.

La situation a évolué dans le sens où j’ai pris la vice présidence du HCEA. Ils ne peuvent pas empêcher mon école d’exister tout en me confiant cette mission.

Il y a du progrès mais je me bats quand même, nous devions rentrer dans le pôle supérieur (le diplôme supérieur…) cette année et ils ont refusé notre dossier.

Nous avons un comité de professeurs qui décide des cours majeurs et le reste est constitué de beaucoup d’intervenants qui sont des musiciens professionnels et actifs. C’est quelque chose sur lequel j’insiste beaucoup. Je ne voulais pas nécessairement de professeurs diplômés. Je veux des artistes qui jouent.

Déjà, l’industrie de la musique est un non-sens. La musique n’est pas une industrie. On parle d’économie culturelle. On ne peut pas faire l’économie de l’art.

Je pense que toute propension à vouloir rentabiliser l’art, le valoriser financièrement, est mauvaise. C’est un point de vue tout à fait personnel mais l’argent pollue l’authenticité.

Attention, l’industrie n’est faite que pour la rentabilité et les artistes qui ont accès à cette industrie dans une intention uniquement mercantile ne font pas le même métier que moi.

Si, évidemment nous l’abordons mais je commence toujours l’année avec mon speech qui rappelle aux élèves qu’ils ne sont pas là pour devenir intermittents du spectacle mais artiste. “Vous n’êtes pas ici pour devenir des participants de l’industrie de la musique mais pour devenir des artistes.” Chez moi, on parle de développement intérieur, de personnalité, de créativité, de passion, de votre entrée en musique et non pas seulement dans les métiers de la musique.

On fait venir des intervenants de la SPEDIDAM, de l’ADAMI, de la SACEM, des juristes spécialisés en droits pour expliquer comment ça marche. Expliquer les mécanisme de l’auto-production. Ce que j’essaye de dire c’est juste que la musique n’a pas pour but d’être rentable, ceux pour qui le but est de rentabiliser la musique ne font pas le même métier que moi, je le répète.

Disons qu’il y a un principe de base qui est erroné. Il est intéressant de constater que les supports on déjà beaucoup changé, le fond donc la forme avec. Il est intéressant de faire une comparaison avec les arts plastiques dont les supports se sont modernisés bien plus rapidement qu’en musique. Et ce parce que le support de la photo a été inventé avant les supports de l’enregistrement. On y pense pas souvent mais c’est ça l’histoire. Si on considère l’encadrement de ce marché de la musique, on se rend compte que les programmateurs radios par exemple, formatent de la diffusion donc le goût des gens. Auparavant nous avions des directeurs artistiques qui sortaient de la musique, aujourd’hui, ce sont des gens formés en école de commerce à qui l’on a affaire.

Ce qui importe dans toute forme artistique, au-delà de l’esthétique et de la forme adaptée à un support, c’est le support d’amour, de sincérité et d’authenticité qui est communiqué.

J’ai vu une fille il y a un an, Zaz et elle est tellement impliquée dans ce qu’elle fait que j’ai su qu’elle ferait un carton. Cette fille chanterait du Pierre Boulez que ce serait toujours aussi sincère, on peut lui reprocher son style mais sa voix et l’intention qu’elle y met est incroyablement transmissible. Je reviens d’une tournée avec Mike Stern (ancien guitariste de Miles Davis), pris entre cette nouvelle esthétique très contemporaine du phrasé, de la mélodie et du blues. Quand il joue, il est authentique parce que sa connaissance harmonique complexe moderne transcende ces extraordinaire phrases bluesy. Les gens vont essayer d’intellectualiser mais quand l’animal est là, c’est tout simplement monstrueux. L’artiste est là et pas autre part. Là est la vrai difficulté.

Peut-être est la différence entre l’artisan et l’artiste. L’artisan va bien faire la chose, l’artiste va au-delà.

L’artiste, c’est celui qui est son art. Son art est une prolongation de lui et ça fait une sacré différence. C’est ce que l’on appelle le charisme, la personnalité. La formation d’un musicien ne s’arrête pas à une formation technique, c’est une formation humaine, psychologique et c’est celle-là qui m’intéresse. Les OS (ouvriers spécialisés) de la double croche ne m’émeuvent pas, ce qui m’intéresse, c’est de sortir la personnalité d’un apprenti musicien. Le style, l’esthétique et la forme viendront tout seul et par la suite.

Le conservatoire pourrait altérer dans sa rigueur et dans sa sacralisation l’expression individuelle de la vie. On met en avant l’œuvre et le répertoire et le musicien doit être au service de cette œuvre alors que c’est l’œuvre qui devrait être au service du musicien. Surtout une œuvre écrite.

Nous avons un partenariat avec les écoles de musique de Sao Paulo et Berkley. Nous sommes l’unique école française à faire partie de ce partenariat. Il partent souvent grâce à des bourses françaises qui sont plus facilement accordées quand l’élève appartient à notre école.

Aujourd’hui, avec les pôles supérieurs, les élèves pourront profiter des Erasmus qui vont permettre à plus d’élèves de partir.

Je n’y sens rien de très personnel. On a eu de la grande création avec Debussy, Ravel, la musique impressionniste, de la grande création avec la chanson française, de la grande création avec le jazz, Django Reinhardt et Grappelli. Toutes ces créations étaient très spécifiques à notre culture.

[Pause, Mike Stern est au téléphone]

Je vais vous répondre en vous lisant un extrait du livre que j’espère sortir prochainement. C’est l’histoire d’un homme qui était trader dans une première vie et qui devient ensuite artiste photographe. L’extrait que je vous lis se situe au purgatoire et il répond à la question dans le chapitre Qu’est ce que l’art selon toi?

“[...]L’artiste comme le chercheur sont des visionnaires. Combien d’œuvres d’art furent en ce sens prémonitoires. Ceux qui travaillent dans cette démarche particulière de la pensée, de la recherche, devraient être éclaireurs de l’humanité. Ils pourraient peut-être nous indiquer un chemin moins long et moins chaotique, celui du bonheur. Malheureusement, le monde est bien trop souvent dirigé par des hommes dénués de vision humaniste, des mono maniaques du pouvoir terrestre.[...]

Le charisme de l’artiste est une des clés essentielles de sa communication. Un artiste qui en est empreint capte l’attention. Il est en quelque sorte un Merlin l’enchanteur. Son regard, son port, sa manière de se déplacer, sa voix vont définir ses notions de différence, d’extraordinaire de sensationnel que le public est venu chercher. L’artiste va y laisser sa chaire, son énergie pour se régénérer ensuite par la force du regard de l’autre et de ses applaudissements, de ses remerciements comme un effets de miroir. Alors seulement, il se sent exister et malheureusement souvent, sur exister.[...]

L’art est l’outil universel de cette communication car il nous interroge. Cela signifie-t-il que l’artiste doive adapter son œuvre pour la rendre plus accessible? Il me paraît plus juste de penser que c’est dans la volonté de donner, la charge d’amour à communiquer ou la sincérité du geste qui fondent la réussite de ce processus et cela se fait dans les deux sens. La responsabilité première en incombant bien sur à l’artiste. Celui-ci est porteur de l’objet à communiquer, il doit être lui-même soumis à la grandeur de sa mission sans toute fois devoir la sacraliser. Ce n’est pas son œuvre qu’il va offrir mais celle d’un ailleurs, qui se place entre son monde et celui du public. Réciproquement, le public, pourra, à travers le hiatus faire naître son propre ailleurs et s’y évader. Oui, c’est cela, s’évader[...]c’est le rêve qui permet aux fragments d’esprits de s’évader au-delà de notre cécité.[...]

Nous ne pouvons faire l’économie de l’art. Alors pourquoi, comme le proposait Nicolas Sarkozy dans l’esprit de la loi HADOPI, sur la protection des droits d’auteurs, vouloir lui adapter une économie spécifique?[...]

Si quelqu’un doit rémunérer l’artiste au cours du processus des services et échanges internet, ce sont les serveurs, car ces plateformes apportent aux internautes les moyens technologiques de pratiquer le libre échange, service qu’il font payer au prix fort tout en favorisant le piratage. Tant que ces serveurs n’auront pas trouvé les protocoles techniques permettant de protéger les œuvres du pillage, ils devraient s’acquitter des droits comme cela se fait depuis des décennies dans l’audiovisuel, tout comme ceux qui se cachent derrière les mots art et culture à des fins mercantiles devraient apporter leur contribution.

On pourrait alors imaginer que l’argent collecté soit équitablement réparti entre les artistes de cette industrie culturelle et ceux qui en sont systématiquement écartés. Ceci permettrait en toute solidarité à la création de s’épanouir et aux jeunes créateurs d’obtenir des subsides sous forme de commande mais aussi et surtout générer un support à l’éducation artistique pour tous. Car une bonne création nécessite un bon public.

Un système de calcul des rémunérations adapté pourrait ainsi être mis au point. Si l’art perdait ainsi de sa surévaluation financière, nous pourrions voir réapparaitre au service de la communauté des courants artistiques plus libérés s’exprimant dans une éthique conforme à ce que toute expression artistique authentique requiert mais cette solution serait un pis-aller car là où il y a de l’argent, il y a la plupart du temps absence de solidarité, d’humanité, d’intelligence. La problématique est complexe parce que la perception de l’art est subjective, immatérielle.”

La création n’existe pas pour moi. On découvre et on fait des assemblages.

Le financement de l’éducation et de la création devrait donc venir de ceux qui permettent la diffusion de la musique et ceux qui ne travaillent que pour l’industrie musicale. Par exemple, si je générais des droits, je serai taxé comme tous les autres. Un pourcentage serait prélevé aux artistes générant des droits. Moi, Beyoncé, ou Pierre Boulez.

Si nous souhaitons que l’art puisse rester dans son qualitatif un outil d’éveil des consciences, que ceux qui ne vont pas dans ce sens là, qui se servent de la musique comme un outil de manipulation des masses pour que ce soit rémunérateurs de droits, financent l’éducation des publics et artistes dont ils profitent. On sait très bien comment ça se passe dans le système de consommation.

On sait très bien qu’aujourd’hui, toutes les musiques qui sont des musiques de création, de recherche, d’expérimentation ne sont pas dans l’industrie, elles ne génèrent aucun droit puisqu’elles ne sont pas diffusées.

Le fait de former des publics au goût ferait que la musique “industrielle” devrait aussi monter son niveau puisque l’exigence du public s’élèverait elle aussi.

Une redistribution plus équitable pour l’éducation des publics, un maintien de la qualité de la musique et un support à la création. Une philosophie totalement anti-libérale.

Si l’on n’a pas l’éducation pour recevoir et l’écouter la musique sophistiquée et riche, eh bien on zappe.

Tel que je le vois aujourd’hui, on retourne à des formes primitives. Être idéaliste c’est dire ce qui serait le meilleur pour tel ou telle chose. La question est donc: qu’est-ce qui ferait en sorte de favoriser l’art pour qu’il puisse grandir? L’art ne peut grandir que si les gens à qui il s’adresse grandissent.

Nicolas Sarkozy dit qu’il faut protéger la création mais encore faudrait-il se mettre d’accord sur ce qu’est la création. Après ces bonnes paroles, il protège l’industrie musicale. Mais pour dire la vérité, il ne peut pas faire les deux. On ne peut pas protéger l’industrie musicale et la création.

C’est un problème. L’argent “valorise” tout sauf les valeurs universelles. C’est à dire que pour de l’argent, on va sacrifier de la vie humaine. Pour de l’argent, on va sacrifier de l’intelligence. Avec l’argent on maintient l’homme dans l’ignorance pour mieux le manipuler.

Quand je reçois l’ancien patron d’une grande chaine de télévision au Haut Conseil et qu’il me dit: “oui, je manipule les cerveaux car je suis une entreprise, pas une entreprise philanthropique”, ça veut donc dire que la loi du marché passe avant tout. Et si elle passe avant tout, ça veut dire qu’une société ne peut pas fonctionner en adéquation avec des valeurs humanistes.

Internet, c’est une vraie bouée de sauvetage. Puisque c’est quelque chose qui se passe d’internautes à internautes, il n’y a plus de filtre! Sauf qu’il se prépare actuellement une réelle guerre sur les protocoles de possession des filtres. Et là, les politiques émettront des lois restrictives telle HADOPI pour pouvoir contrôler le marché, faire passer leurs pubs et leurs humeurs. Il y aura guerre parce qu’il y aura une révolte. Les internautes sont, on le sait, bien plus rapides et efficaces que les équipes engagée par les gouvernements et la guerre risque d’être violente. Les protocoles techniques que les politiques tentent de mettre en place sont tout de suite déjoués par n’importe quel hacker. Tout est immédiatement piraté, c’est un jeu d’enfant pour les hacker.

Dès que les politiques touchent à cet espace de liberté, il y a tout de suite de gros remous. HADOPI représente un nerf de cette guerre qui est loin d’être terminée.

Je ne suis effectivement pas pour HADOPI pour toutes les raisons évoquées précédemment.

Mon devoir à moi, quand je suis au conseil est de tenter de sauvegarder la pratique artistique et plus encore d’encourager la formation du public. Le seul moyen est de toujours revenir sur la base de la réflexion: qu’est-ce que l’art? L’art ne doit en tout cas pas être un outil d’asservissement mais un véhicule d’élévation.

La plupart des gens veulent faire de la musique pour être riche et célèbre. Pourquoi pas, mais n’appelons pas ça nécessairement de l’art mais simplement un besoin de reconnaissance.

–

Crédits photos : FlickR CC Guillaume Laurent;

Imaginez un monde dans lequel les meilleures idées ont les plus grandes chances d’être concrétisées. Plus de favoritisme qui attribue les projets créatifs aux mauvaises personnes. Retirez l’intermédiaire qui décide arbitrairement, et pour des raisons économiques, qui a le droit de briller peu importe son talent. Chaque individu, équipe, et industrie évoluerait dans un monde où les gens les plus talentueux bénéficieraient des opportunités les plus intéressantes.
Ce rêve, ce serait la “méritocratie créative”, et je crois que les avancées technologiques, les communautés en ligne et les plate formes qui permettent les carrières indépendantes feront très bientôt de ce rêve une réalité.

Malheureusement, nous nous battons contre des siècles de traditions bien établies. Peu sont ceux qui s’opposent à l’ascension basée sur le mérite. La plupart des industries et des sociétés dans leur ensemble sont vérolés par le manque d’efficacité, par des intermédiaires, et on crée un système qui détermine ce qu’est la qualité. C’est la triste vérité mais la qualité de vos idées et vos talents sont moins importants que votre carnet d’adresse, qui vous définit en tant que tel. Pourquoi? Parce que le système traditionnel qui nous entoure fait en sorte que cela fonctionne ainsi.

Sans méritocratie créative, on souffre parce que notre talent et nos travaux ne suffisent pas à trouver du travail. Les clients pâtissent d’une production médiocre. Plus encore, nos industries et sociétés souffrent de médiocrité.

Vous pouvez dire que c’est déprimant ou injuste, mais ne l’acceptez pas. La méritocratie créative est à notre portée. C’est notre devoir, en tant que cerveaux créatifs et leaders d’encourager une ère où capacité rime avec opportunité.

Voici quelques moyens pour initier l’ère de la méritocratie créative:

Attribution appropriée

Dans notre monde moderne, où règnent la transparence et l’accessibilité à l’information, nous devrions nous méfier des efforts fournis pour mettre en avant les talents. Les chasseurs de têtes sont connus pour mettre la main sur de forts potentiels pour ensuite envoyer des fragments de portfolios et CVs anonymes. Ils dissimulent l’identité du talent intentionnellement et réussissent à outrepasser la méritocratie. Souvent, les chasseurs de têtes utilisent les qualifications d’une personne pour appâter. Ensuite, ils proposent des candidats moins qualifiés pour profiter d’une meilleure marge.

La base de la méritocratie créative, c’est la transparence. L’accumulation d’appréciations (ou crédit) est la devise qui achète les opportunités.

L’opinion de “la masse crédible” comme levier

L’enjeu primordial sur Internet aujourd’hui, c’est d’être capable de hiérarchiser les informations des communautés. Parmis le flux infini de contenus mis en ligne par des créatifs au talent variable, le challenge numéro un consiste à discerner le bon du moins bon. Aidées par des outils comme Digg et le bouton “like” de Facebook, les communautés commencent à s’organiser. Tout, de l’article à l’oeuvre d’art, peut désormais être classé par consensus.

Avec le temps, la hiérarchisation de données prendra de plus en plus d’importance. Par exemple, pour évaluer la qualité d’un photographe, l’opinion de 1000 photographes pourrait être plus conséquente que l’avis d’un million de personnes lambda. Telle est la différence entre une masse critique et une masse crédible.

Une fois que les communautés auront développé un algorithme pour la masse crédible, la méritocratie brillera à des endroits inattendus.

La fin des CV classiques et des portfolios sans relief

Les hauts potentiels méritent une mise en avant à la hauteur de leur talent. Il est grand temps de remplacer le CV classique réalisé sous Word par quelque chose de plus interactif, crédible et interconnecté. Un CV devrait être sourcé dans le but de montrer plutôt que de dire et, ces sources devraient êtres scrupuleusement examinées. Le pouvoir des témoignages liés à un CV deviendra tout aussi important qu’une entretien d’embauche. LinkedIn donne déjà une idée de ce à quoi peut ressembler un CV interactif.

Il en va de même pour les professionnels du secteur créatif. Il faut passer du site simple et isolé à un tremplin plus interactif pour nos travaux. Votre travail est plus à même d’être découvert si vous l’exposez là où les gens sont déjà.

Les réseaux permettront aux talents de recevoir des propositions d’entreprises appropriées. Ils ne feront pas qu’accroître le nombre de connections mais les rendront qualitatives. Les clients potentiels et des milliers de blogueurs, recruteurs et passionnés profiteront de la possibilité de chercher et de trier les talents via une large palette de travaux créatifs et ce dans un seul et même endroit.

Comme certains d’entre vous doivent le savoir, nous travaillons dur pour les professionnels de la création sur notre propre plate-forme, Behance.net. La raison pour laquelle Behance intègre LinkedIn, AIGA, MTV et d’autres est d’aider les professionnels de la création à rendre visible leurs portfolios.

La méritocratie créative prospérera avec l’adoption de plateformes qui hiérarchisent les talents – comme LinkedIn et Behance Network, parmis tant d’autres.

Des plateformes communautaires mais sélectives

Les plateformes centrales pour les artistes ne progresseront que si nous les protégeons des abus. J’ai déjà écrit auparavant dans BusinessWeek et d’autres sur les promesses et les périls du crowdsourcing. Les communautés en ligne, en particulier lorsqu’elles sont organisées, sont un véritable vivier de talent. Ceci dit, quand ces technologies n’opèrent pas de sélection parmi les candidats, c’est la communauté toute entière qui en pâtit (ex: Myspace vs. Noomiz, ndt). En bref, à moins que les talents ne soient rémunérés pour leur temps, la production en souffrira.

Cette méthode n’est pas compatible avec la méritocratie car seuls les individus aux compétences médiocres ont le temps et l’envie d’y participer. Les clients obtiennent une production en-deçà du niveau escompté, pire encore, ils ne s’en rendent même pas compte. Les participants perdent vite espoir vu le peu de chances d’être rémunéré. La méritocratie créative est alimentée par les encouragements optimisés par les meilleurs talents.

Davantage de raisons de vivre de sa passion

Dans les conditions actuelles, on peut gagner beaucoup d’argent en faisant quelque chose que l’on n’aime pas. Pourquoi? Parce qu’on ne se concentre pas assez sur ce qui importe vraiment. Le recrutement, les procédés d’évaluation, et les départements de Ressources Humaine échouent à récompenser ceux qui ont un potentiel créatif et punissent ceux qui s’en tiennent au status quo. Mais tout cela changerait sous l’influence de la méritocratie créative.

Si les meilleurs talents étaient appariés aux meilleures opportunités, vous ne réussiriez jamais sans passion. Après tout, la créativité et les idées sont naturellement le résultat d’une réflexion proactive qui est, en retour, le résultat d’une passion. Quand on fait un travail qu’on aime, la méritocratie créative est le vent qui vous pousse. Je pourrais continuer à expliquer comment les institutions académiques et les 500 compagnies les plus fortunées pourraient encourager une méritocratie créative. Suffit de dire, il faut repenser le système d’évaluation, de récompense, et les principes opérationnels.

Les résistants doivent innover

Bien sûr, la méritocratie créative n’est pas valable pour tout le monde. Ceux dont le talent est médiocre auront besoin de travailler leurs compétences; ils ne pourront pu compter sur la chance pour réussir. Des industries entières, qui utilisent notre incapacité à sourcer et mesurer le talent, disparaitront. Ceux qui craignent la méritocratie créative devraient examiner le pourquoi de leur résistance et, innover.

* * *

Les meilleures idées ne verront pas le jour à moins qu’ont leur en laisse l’opportunité. Notre équipe, chez Behance s’intéresse aux conditions (dans une équipe, une communauté, l’industrie, ou la société) qui encourageraient la méritocratie créative. Par notre mission, nous encourageons les professionnels de la création à faire en sorte que les idées se concrétisent. Nous savons que la méritocratie créative est une pièce centrale du puzzle. En accord avec l’esprit méritocratique, je voulais partager ces pensées, voir où elles nous mèneraient.

Qu’en pensez-vous?

Quelle industrie bénéficierai, d’après vous, le plus d’une méritocratie créative?
Quels type d’outils ou techniques élèveraient la méritocratie créative?
Où rencontrerons-nous le plus de résistance?

–

Article initialement publié The 99 Percent et traduit par Lara Beswick.

Crédit Photos Flickr CC : Mela Sogono; Chuck “Caveman” Coker; Wallig